Fordelene ved samfunnet oppsøkende musikk programmer (comps) på Teaching of Musical Instruments

© Peter Muir 2005
Ingen deler av denne artikkelen kan være repoduced uten samtykke fra forfatteren.

I denne artikkelen utforske jeg at begrepet, basert på min egen undervisningspraksis, at regelmessig frammøte på fellesskaps Outreach Music programmer (comps) av musikkstudenter kan være til stor nytte for læring av sine musikkinstrumenter. Jeg vil begynne med en generell beskrivelse av en typisk COMP.

The Musical Outreach Program på Green Briar Retirement Community

Institutt for musikk og helse har vært i drift en KOMP siden januar 2000 at Green Briar Retirement Community i Millbrook, NY. Beboerne er stort sett ganske høyt fungerende eldre, selv om de fleste har medisinske problemer, mange viser tidlige symptomer på Alzheimers &'; s eller senil demens. En typisk oppsøk økt varer ca sytti minutter. Den IMH vanligvis bringer på fem frivillige til et oppsøkende, og ofte mer enn ti. Antallet innbyggere som deltar på oppsøk vanligvis gjennomsnitt rundt tjue.

Den grunnleggende tilnærmingen er som følger. Vi i stor grad synge eldre stil Tin Pan Sanger som er kjent for beboerne. Hjelpere oppmuntre innbyggerne til å delta med sang og dans /bevegelse med dem der det er hensiktsmessig. Dette er ikke en formell ytelse i enhver vanlig forstand. Tvert imot, jo mer uformell og avslappet atmosfære, de mer aktive beboere tendens til å bli; og de mer aktive beboerne, jo mer langvarig fordelene av musikken. Effekten av musisering forsterkes av de frivillige engasjerende som direkte og som interaktivt med innbyggerne som mulig, holde hender, gjør øyekontakt, etc. outreaches er i stor grad musikalsk enslige, selv om instrumentene brukes i visse situasjoner diskutert her.

Det er ikke hensikten med denne artikkelen å diskutere fordelene med slike økter på beboere, som, hvis det gjøres riktig, og med riktig intensjon, er dyp. Jeg er i stedet opptatt av effekt på de frivillige, spesielt på hvordan slike outreaches kan dra spille av disse lærings instrumenter (selv om Outreach Center runde synge, ikke spille).

I skrivende stund, vi har bare vært å ta våre studenter på et begrenset grunnlag til Green Briar, og selv om de første resultatene er svært oppmuntrende og vi planlegger å utvide programmet, er den nåværende diskusjonen i utgangspunktet en position paper mer teoretisk /filosofisk i tilnærming enn basert på eksperimentelle resultater. Jeg vil begynne med å diskutere, og plassere i sin historiske kontekst, den nåværende tilstand av mainstream instrumental pedagogikk slik den eksisterer i Amerika, og så vidt jeg vet, de fleste av den vestlige verden, før du går videre til å utforske hvordan musikalske outreaches kan bidra til å motvirke en viss ubalanse iboende i tradisjonell musikalsk pedagogikk.

Traditional Music Instrument pedagogikk

Selv om det har røtter som er mye eldre, er egentlig et produkt av instrumental musikk undervisningen slik vi kjenner det i dag nittende århundre. Den revolusjonerende estetiske romantikkens brakte med seg store endringer i formidling av kunstmusikken i Europa og Nord-Amerika. Den nye tilnærmingen ble mest typisk reflektert i fremveksten av den offentlige konsert som kom til sin rett i den romantiske epoken. Symbolet for dette var på turné instrumental virtuos, som Paganini på fiolin og Liszt på piano, som var sammen med vellykkede opera kunstnere, de musikalske superstjerner av dagen. Romantikken forherliget disse instrumentale artister på en måte som de aldri hadde vært før. Ved å gjøre det, ble utøverne rike og berømte, og nådde gjennom sine ustanselige touring, fin promotering, og øre-fanger pyroteknikk, et mye bredere publikum enn noensinne hadde vært tilgjengelig for publikum i tidligere tider.

Som instrumental virtuositet anskaffet en ny prominens, pedagogikk steg i forgrunnen. Fuelled av ny teknologi som dramatisk senket kostnadene, og dermed tilgjengelighet, av noter, og en voksende, musikalsk kyndige middelklasse tørst for kulturell forbedring, ble pedagogikk for første gang big business i det nittende århundre. Hundrevis av komponister skapt pedagogisk materiale for nesten alle typer instrument som varierte fra mekanikken Czerny &'; s øvelser, til mestring av Chopin &'; s etyder. Det ble lagt vekt på det tekniske: de høyere kvaliteter av en forestilling – uttrykk, tolkning og så videre — kunne egentlig bare være effektivt lagt etter at arbeidet hadde blitt mekanisk mestret. Hva er kjent som “ Once More med Feeling &"; skole.

Når på plass, denne filosofien dominert den pedagogiske landskapet. Det er påfallende representert ved figur 1, en illustrasjon fra en artikkel av Aubertine Woodward Moore rett, passende nok, “ Fra Mekanisk Foundation til Artistic Triumph, &"; som dukket opp i amerikansk mainstream musikk utdanning tidsskriftet The Etude i 1918. “ Mekanisk Foundation &"; av tittelen er representert med heavy-duty industrimaskiner i bunnen av bakken, mens “ Artistic Triumph &"; er avbildet på toppen av et slott. Legg merke til at høyere spiller kvaliteter (“ frasering, &"; “ uttrykk, &"; “ tolkning &";) forekommer nær toppen av bakken, mens Drudge aspekter av praksis (“ industri, &"; “ daglige øvelser, og " ; “ skalaer &";) er plassert nær bunnen. Ett annet punkt. Som du følger sikk-sakk veien opp bakken, vil du se det blir stadig mindre befolket. Dette er en overraskende ærlig, om kanskje ubevisst, uttalelse av en design feil i hele systemet: de fleste studenter gi opp sine instrumenter. I en filosofi som betrakter læring et instrument som – her, bokstavelig talt — en oppoverbakke kamp, ​​bare noen få komme til toppen. Og når de kommer til toppen er sett på som den eneste verdig mål av venture — begrepet “ Artistic Triumph &"; klart selger den som en vinneren tar alt affære — ikke får til toppmøtet er sett (av både student og lærer) som en fiasko. I dette merkelig darwinistisk syn på utdanning kun de sterkeste overlever. Resten falle av veikant

Det ville være na ï. Ve å foreslå at ingenting har forandret seg i musikkpedagogikk siden denne artikkelen dukket opp. Ordinære pedagogiske metoder er nå litt mindre teknisk orientert og fearsomely hegemonisk enn en gang var tilfelle. Hva har, tror jeg, ansporet dette endret seg mer enn noe annet er svekkelsen tak i klassisk musikk i vestlige samfunn, og den tilsvarende økningen av amerikansk dialekt musikk (jazz, blues, rock, etc.) i det tjuende århundre, som har spektakulær popularitet gjennom sin formidling i massekulturen har fortrengt klassisk musikk som prinsippet musikalsk lingua franca av vestlig, og nå nylig, av globale samfunnet. Følgelig, når den gjennomsnittlige barnet i begynnelsen av det tjueførste århundre bestemmer seg for å ta opp et instrument han er mer sannsynlig å ønske å lære Beatles enn Beethoven.

Mens musikken yrket har innkvartert, det har bare gjort så bare motvillig. Les gjennom gamle utgaver av alle mainstream pedagogisk tidsskrift som The Etude, vil du se hvor konservativ det er, hvordan beskyttende av “ god &"; (dvs. klassisk) musikk mot det som oppfattes som trusselen om populære stilarter. Det generelle inntrykket er at demokratisering av repertoar og utvidelse av spillestiler i musikkundervisning er en grundig “ bottom-up &"; revolusjon, bare motvillig akseptert av den gamle garde. Dette har ulike klassetrinn implikasjoner som jeg ikke ønsker å forfølge her, bortsett fra å si at dette konservatisme i musikkundervisning er en reflektert av samfunnet som helhet: alle dialekt stiler har, nesten per definisjon, startet som arbeiderklasse musikk, og har vanligvis fått generell aksept bare etter enorm motstand ovenfra.

motvilje musikkpedagogikk å akseptere nye stiler er symptomatisk for et dypere problem. For mens fokus for musikkundervisning har flyttet sunt unna “ de få som kan bli profesjonelle musikere morgendagens &"; til “ de mange som ønsker å delta i musikk, &"; filosofi musikk undervisning har ikke fundamentalt endret: det har rett og slett myknet sine harde kanter for å imøtekomme massene. En student lære et instrument forventer fortsatt sin lærer å fokusere på det tekniske, akkurat som han ville ha gjort et århundre siden. Hovedvekten er fortsatt på å trene vekter, spille i tune med riktig fingersetting. Selvfølgelig, det er individuelle unntak, men dette er fortsatt den generelle kultur

La meg gjøre et skille mellom Musikk —. Kapital M – og musikken – liten m. Ved å bruke store bokstaver, viser jeg til de høyere kvaliteter som gjør musikk viktig og avgjørende: kreativitet, uttrykk og tolkning, de kvaliteter som er siste til å bli brukt i tradisjonell pedagogikk. Ved den lille m, jeg henviser til de lavere, tekniske kvaliteter. Et barn som tar opp et instrument gjør det som et middel for høyere uttrykk, med andre ord, musikk. I stedet er fokus på det tekniske, musikken. Det er ikke overraskende at så mange barn gi opp sine instrumenter

Vi kan oppsummere alt dette ved å si utgangspunkt i musikkpedagogikk er “. Å få det rett &" ;: på bølgelengde, rette fingre, riktige notene. Dette har uunngåelig effekten av å gjøre studenten kontinuerlig fokus på, og bekymre seg for, dette aspektet, jeg. e., musikken og ikke musikken. Det skaper et klima av frykt, der studenten oppfordres til å stadig dømme seg selv for sine feil, og å anta at andre – utgangspunktet hans lærer, senere et publikum —. Gjør det samme

Resultatet av dette er en usunn inwardness på den delen av musikeren. Han fokuserer på seg selv i sin opptreden, bekymre deg for hvordan han blir dømt? &Ldquo; Hvordan gjør jeg &"; “ Hva vil de tenke om meg &" ;. Dette selvbevissthet er starten på all sceneskrekk og er helt mot sin hensikt — alle går dårligere når nervøs. Derfor sitter vi igjen med et paradoks: overemphasis på teknikken til slutt undergraver teknikk. Undervisningen av musikkinstrumenter bør gjøres på en måte å minske selvbevissthet; stedet det forverrer det, og dermed undergraver hva den forsøker å oppnå.

Fordelene ved fellesskaps Musikk oppsøkende programmer for Music Studenter

Hvis det sentrale problemet med musikk instrument undervisning er den selvbevissthet det skaper, sin løsning er vedtakelsen av andre-bevissthet, for å oppmuntre studenten til å sette sin oppmerksomhet på den andre heller enn på hans selv. Det latinske for “ selv &"; er ego; for “ annet &"; det er alter. Vi erstatte egoisme med altruisme.

Dermed kan studenten er oppfordret til å lede hans musikk til noen når han spiller. I sin enkleste form, er denne prosessen rent mental, i. e., bare forestille den personen som blir spilt til. Men opplevelsen er mye kraftigere hvis personen er i rommet med spilleren. Det er der musikalsk oppsøkende på steder som seniorer og' boliger er så verdifullt, for det gir en fysisk virkelighet til prosessen med å regissere ut med musikken.

Men det er mer involvert enn dette. Den oppsøkende situasjonen er spesielt nyttig for å oppmuntre denne holdningen på en del av de tilreisende musiker, langt mer enn si gi en solo på en konsert, som selvfølgelig er mye mer sannsynlig å forverre en student &'; s ytelses frykt snarere enn å dempe dem. Det er flere grunner til at en oppsøkende er optimal situasjon for å oppmuntre musikalske altruisme.

I første omgang, seniorer i et hjem er langt mindre kritisk enn en konsert publikum har en tendens til å være. Så mange seniorer i virksomheter som Green Briar er ensom og deprimert. Besøkende og musisering er derfor nesten alltid velkommen. Videre viser erfaring at når den fysiske /psykiske tilstand av beboerne forverres de blir needier av musikk, og dermed er stadig mindre kritiske til hva de hører.

For det andre er den oppsøkende felles i naturen. Dette tar presset av den enkelte student, og dermed bidrar til å lindre prestasjonsangst, som arbeider i grupper er enklere enn å utføre solo. Kanskje enda viktigere enn dette, i et oppsøkende publikum deltar samt utøvarar, synge sammen og dans /bevegelse. Dette skaper et klima av trøst informality for studenten. Tross alt, hvis de eldre, som i de fleste tilfeller har hatt noen musikalsk opplæring, er ikke selvbevisst om deres engasjement med musikken, hvorfor skal studenten være? Faktisk er en oppsøkende egentlig ikke en forestilling situasjon i vanlig forstand med en klar avgrensning mellom utøvere og publikum. De fleste ganger grenser er uklare. På Green Briar har vi selv hatt situasjoner der publikum /utøver forhold er reversert, når en innbygger skal entusiastisk lede oss i en sang han vet bedre enn vi gjør!

Den tredje forskjellen mellom og oppsøkende og en konsert er at studenten er oppfordret til å forholde seg til hans “ publikum &"; som individer. I en konsert, publikum er anonym til utøveren. Han vil ikke vite det meste av lytterne. Selv om han gjør det, er det ekstremt vanskelig å forholde seg til dem alle på en gang. Det er for mange, og i alle fall over avgrunnen mellom publikum og utøver i en standard konsert oppsett neppe hjelper. Ofte i et teater, på grunn av lyse scene belysning, er det umulig for utøveren selv å se sitt publikum, mye mindre å forholde seg til dem. I en oppsøkende situasjon som den på Green Briar er det ingen slike problemer, og der besøk er på regelmessig basis, beboerne blitt godt kjent for de frivillige, og vice versa. Dette, sammen med de mindre tall, og har av den innstillingen, gjør det enkelt for elevene å forholde seg til beboere. For å maksimere dette, anbefaler vi nær og direkte kontakt der det er mulig: flytte så nær bosatt i musisering som han /hun vil tillate; ta sine hender; . se dem i øynene (dette siste er spesielt viktig)

Til slutt, outreaches er rettet rundt sang, ikke rundt studenten &'; s instrument. Dette er viktig av to grunner. Først har vi funnet ut at beboerne har en tendens til å slutte å synge når instrumentene brukes. I stedet begynner de å se situasjonen som en forestilling, og en formell avstand skapes mellom utøvere og publikum, som arbeider mot å skape et klima av altruisme. For det andre krever sang mindre innsats på den delen av studenten enn å spille. Som beboerne kan studenten “ bare synge &"; Når du spiller sitt instrument på den annen side, er han mindre spontan som han er stadig å bekymre seg om han har rett notat, hvis det er på bølgelengde, etc.

Disse fire faktorene – beboerne &'; relativt ukritisk tilnærming, felles aspekt, knyttet til “ publikum &"; som individer, og basere den oppsøkende rundt synge —. skape et unikt miljø der studenten er oppfordret til å bruke musikken hans altruistisk

Sette Outreach Filosofi inn Instrumental Spille

Møtende vanlige musikalske outreaches er imidlertid , bare et første trinn, for det endelige målet er å oversette den altruistiske erfaring med oppsøkende inn i student &'; s instrumental spille. Dette skjer til en viss grad ved osmose. Som student blir mer altruistisk tilbøyelig med outreaches, vil de gunstige effektene bli generalisert til alle hans musikk-making. Til syvende og sist er målet å se all ytelse, faktisk alle musikk-making, som et oppsøkende.

Denne prosessen kan katalyseres ved å gradvis innføre instrumental spille på oppsøkende. Jeg gir et eksempel fra min siste erfaring. En seksten år gammel trompet student er ekstremt begavet, men sjenert og selvbevisst om sin musisering på sitt instrument. Han begynte å komme regelmessig til musikalske outreaches, inkludert Grønn Briar, sammen med sin far, som selv er svært musikalsk og oppmuntrende for hans sønn vedta en altruistisk tilnærming med sin musikk-making. Ved første sønn var motvillige til å gjøre noe annet enn å synge. Som sin musikalske identitet styrket gjennom outreaches, men han ble etter hvert mer trygg, selv om han fortsatt var uvillig til å spille. Det var enda en i-mellom scene når han ville bringe sin trompet til oppsøkende, men ikke spille det! Til slutt fikk han begynne å spille, til stor glede for beboerne. Nylig har han også begynt å spille soloer på konserter. Når han spiller, gjør han det med bemerkelsesverdig selvtillit, med absolutt ingen spor av sceneskrekk. Som et resultat av hans spillestil er ekstremt kreative og uttrykksfulle. Med andre ord har oppsøkende prosessen oppfordret ham til å lage musikk i stedet for musikk, og fra dette synspunkt, er han eksepsjonell

Når det altruistiske holdninger utvikles gjennom musikalsk formidling er integrert i student &'; s. Spille , hva er effekten? Det er flere.
En. Redusere selvkritikk i student naturligvis gjør hele musikk-læringsprosessen langt mer underholdende og tilfredsstillende.
2. Outreaches viser studenten at hans musikk-making kan ha en positiv effekt på publikum. Dette gir seg som spiller en hel ekstra betydning som normalt ikke skyldes vanlig pedagogikk.
Tre. Studenter som deltar Viddene på regelmessig basis har en tendens til å utvikle gode aural ferdigheter på grunn av vekt på sang. Dette kan bli forsterket ved å få dem til å spille de sangene de synger på oppsøkende på sine instrumenter uten å bruke skrevet musikk.
4. Den altruistisk holdning forbedrer teknikken. Det er motsatt side av paradokset diskutert tidligere at prioritering teknikk i musikk-undervisning slutt undergraver teknikk ved å oppmuntre en selvkritisk tankesett. Derimot, når studenten slutter å tenke selv-kritisk, er han i stand til å gi av sitt beste i enhver forstand, inklusive teknisk.
5. I den mest generelle forstand, er den generelle innføringen av en altruistisk holdning en mest attraktive målet i utdanning og sosial utvikling av unge

Konklusjon

Prosessen utforsket i denne avhandlingen —. Stede vanlige musikalske outreaches og påføring av erfaring til å spille av student &'; s instrument – er godt beskrevet i følgende attest fra en femten år gammel klarinett student ved Ravensong Studio som deltok på en rekke musikk outreaches på Green Briar:

Da jeg kom [til oppsøk] for første gang, skjønte jeg hvor redd jeg var. Vi gikk inn i en liten, solrik plass med en fisk tank, et rack av magasiner, og en visning av en spisestue som var altfor gul. Det var en sirkel av gamle damer og noen gamle menn i stoler. . . Jeg sang mykt i et hjørne, følelsen som jeg hadde blitt kastet uten advarsel i kaldt vann. Harsh som det virket på den tiden, det fungerte. Jeg sakte mistet min sjenerthet som jeg innså at disse menneskene var ikke her for å dømme oss. Når jeg glemte å bekymre seg for å være rett, jeg ble tusen ganger mer uttrykksfulle. Jeg tenkte at hvis jeg kunne bruke denne nyvunne frihet til min ikke-så-shabby klarinett spille, hvor mye bedre jeg ville være. Så jeg sakte begynte å forandre seg. Jeg tok mer risiko og prøvde å konsentrere seg om betydningen av sangen, følelsene den var ment å portrettere, heller enn bare notater på siden. Jeg hadde begynt å forstå hensikten med musikk. Det var plutselig mye enklere og mye mer moro. . .Jeg Har bedret seg som musiker og har blitt en mer følsom person.

Denne uttalelsen reiser et viktig spørsmål som er at outreaches kan først være en skremmende opplevelse for mange studenter. For én ting, de som lærer instrumentene er ofte ikke fornøyd med å synge. Det er ulike grunner til dette, men i utgangspunktet Hvis en student er selvbevisst om hans spillestil, vil han trolig være om hans sang også. Alle de mer grunn til å gå på outreach! Opplevelsen av mange studenter er sånn av studenten i en vurdering: skyhet, og med frykt, i begynnelsen, men etter hvert få tillit som klimaet på oppsøk blir mer kjent. En annen grunn for studenter å bli skremt på oppsøkende er at forverret tilstanden til noen av beboerne i et hjem kan være skremmende i starten, selv om, som elevene begynner å forholde seg nært med beboerne, forbedrer denne situasjonen. Vi finner studentene som nekter å gå på oppsøkende for disse grunner, men de fleste er i siste instans mottagelig. Dette gjelder særlig for yngre barn som er i enhver forstand mindre selvbevisst enn de i tenårene.

Fotnoter

1. Februar 1918, s. 93.

2. Joyce Cameron, “ The Role of Self-Esteem in Learning, &"; i Proceedings of National Conference of Piano Pedagogikk 1990-1991 (Los Angeles: National Conference of Piano Pedagogikk, 1991), 88.

3. Noen nyere arbeider, for eksempel, har understreket generelt terapeutisk karakter av altruisme; Se Richard L. Curwin, “ The Healing Power of Altruisme, &"; Education Leadership, November 1993, 36-39; også John Diamond, MD, ærbødighet for Life: Gjennom Disease til Soul (Bloomingdale, IL: Enhancement Books, 2000), 4; Sistnevnte Forfatteren har også omfattende diskutert bruk av altruisme i musikk ; Se Livet Enhancement gjennom musikk. (Bloomingdale, IL: Enhancement bøker, i pressen), Passim

4. Udatert vurdering av Margeret McGovern i besittelse av forfatter
.